O Brutalista foi construído para capturar as ambições de um imigrante

As expectativas para O brutalista são altos. O ator que virou diretor Brady Corbet já levou para casa o Leão de Prata no Festival Internacional de Cinema de Veneza, em setembro. E agora ele entra na grande temporada de premiações de Hollywood com sete indicações ao Globo de Ouro, incluindo Diretor de Filme, Roteiro de Filme e Filme Dramático.

O brutalista é um épico histórico que segue László Tóth (Adrien Brody), um renomado arquiteto da Bauhaus, que viaja de Budapeste à Pensilvânia após o Holocausto. Lá ele conhece os Van Burens, uma família rica com vastos recursos – do tipo que poderia reviver a carreira de um arquiteto talentoso. Embora uma série de eventos pudesse atrapalhar o trabalho inicial, László é resiliente e, com o tempo, é convidado a projetar um enorme e ambicioso centro comunitário.

Após o intervalo – sim, há um intervalo – vemos László vivendo nas terras dos Van Burens. Ele até conseguiu usar suas conexões para reunir sua família, que foi separada dele à força durante a guerra. Mas se László parece fácil de torcer, não é. Porque a cada vitória vem uma derrota. E são a bebida, as drogas e a traição que o desgastam. Eventualmente, O brutalista parte da Pensilvânia para uma pedreira de mármore em Carrara, Itália, para a cena mais surpreendente do filme.

Falei com Brady Corbet, que co-escreveu o roteiro com sua esposa Mona Fastvold, e discutimos seu espinhoso protagonista, as quase quatro horas de duração do filme e por que as pessoas ricas sentem que precisam colecionar artistas mais do que sua arte.

: No coração de O brutalista é uma história sobre fazer o que for preciso para sobreviver em tempos incertos. O que tornou essa história tão urgente para você?

Brady Corbet: Eu realmente sempre tento trabalhar com temas que continuarão a ser relevantes para mim, independentemente de quanto tempo leve para tirá-los do papel. Quando eu fiz Infância ou Vox Luxo ou O brutalistasão filmes historicamente ricos e tematicamente ricos. É um material rico. Quando chegamos à página 173 ou algo assim e escrevi o final, eu suspeitava que levaria algum tempo para tirar este livro do papel.

E o filme trata de temas de individualismo e capitalismo e imigração e assimilação, e essas são todas coisas com as quais acho que praticamente qualquer pessoa tem alguma experiência real em qualquer linha de trabalho que esteja fazendo. Obviamente eu sei o quanto os jornalistas têm que lutar para cobrir o que querem e receber um salário digno, e isso está se tornando cada vez mais difícil para artistas, escritores, arquitetos, cineastas, entre outros. Acho que é algo com o qual qualquer um pode se identificar. E, claro, como todos estão antecipando como a nova administração lidará com a imigração, é claro, acho que isso está especialmente na mente dos telespectadores neste momento.

O momento em que László diz a Audrey: “Eu também não sou o que esperava” realmente falou sobre os instintos de sobrevivência deste personagem. Você pode falar sobre como descobrir isso com Adrien Brody?

Adrien é um cara muito, muito inteligente. E para não falar mal dos artistas, mas ele está incomumente sintonizado com o que este filme estava fazendo em termos de temas e realmente com tudo o que ele tinha em mente. Acho que ele realmente entendeu o material e entendeu onde colocar a ênfase na sílaba. E acho que quando o conheci, ele tinha uma qualidade muito graciosa, e também me lembra um artista de outra época.

Para mim, ele é como Gregory Peck ou o antigo De Niro. Como estamos entrando em uma era em que acho muito difícil escalar peças de época, há muitos atores que adoro que passam por muitas cirurgias plásticas, e é muito difícil porque você não pode escalar alguém que teve tanto. cirurgia plástica em um filme que se passa antes de 1975. Eu realmente me apego a esses atores, homens, mulheres e jovens, tantos jovens que estão fazendo cirurgia plástica – tipo 18, 19 anos que são naturais. E eu acho que o Adrien, ele tem essa angústia que está aí também. Não sei exatamente de onde vem isso, mas para mim está claro que se trata de uma pessoa que viveu muito. Ele espremeu muito suco do limão.

E acho que tudo isso foi muito atraente para mim. Acho que, claro, sua herança foi um fator. Eu sabia sobre seu passado. Eu estava ciente do facto de a sua mãe ter fugido da Hungria em 1956, durante a revolução. Ele era excepcionalmente adequado para o papel.

Existe um certo tipo de pessoa rica que adora colecionar pessoas. O personagem de Guy Pearce, Harrison Lee Van Buren, é o auge do colecionador de pessoas.

Estou tão fascinado pelos clientes que não querem apenas recolher o trabalho. Eles querem colecionar os artistas.

Guy realmente entendeu imediatamente. Acho que quando ele leu o roteiro, compreendeu totalmente a peça. O filme foi autosselecionado, eu diria, porque todas as pessoas que permaneceram no projeto enquanto ele desmoronava e voltaram tantas vezes. Todos eles tinham um ponto de referência muito forte sobre o que se tratava.

É apenas uma pessoa tão específica. Eu os vejo em todos os lugares.

Com certeza é. Escute, acho que a sequência em Carrara, e quando realmente começa a entrar, quando a realidade se torna líquida e atinge o status de mítico grego depois de duas horas e meia. O que era tão importante para mim em Carrara é que o mármore de Carrara é um material que não deveria ser possuído e, ainda assim, reveste nossas cozinhas e banheiros. Mas o material desaparecerá em 500 anos. Essas montanhas não existirão. E isso é incrivelmente perturbador porque eles são como queijo suíço agora, é claro, e há constantes deslizamentos de rochas.

Não é tão perigoso como era há 70 anos, quando as pessoas literalmente cortavam as mãos todos os dias, mas ainda é bastante perigoso. Existem helipontos e eles servem a dois propósitos. O primeiro objetivo é transportar pessoas gravemente feridas. A segunda razão é que muitos compradores gostam de voar e escolher uma laje para sua casa, uma escultura ou qualquer outra coisa.

É essa coisa VIP, que considero totalmente hilária e perturbadora. E para mim, acho que aquele tema daquilo que não pode e não deve ser possuído. As alegorias visuais eram muito ricas naquele local.

Ao longo do primeiro ato, você mergulha em todas essas noções históricas românticas da Pensilvânia. Por que a história só precisava acontecer lá? O que havia de importante na Pensilvânia para você?

Em 1935, quando a Bauhaus Dessau foi fechada pelos nazistas, Walter Gropius conseguiu que muitos professores, protegidos, artistas e designers trabalhassem predominantemente em universidades do Nordeste. Há uma razão pela qual tantos grandes nomes acabaram naquela parte do país. É especificamente por isso, mas para mim – especialmente por causa de Paul Rudolph e Louis Kahn – era simplesmente importante ambientar o filme em um lugar que é muito, muito rico arquitetonicamente.

E foi apenas através do processo de trabalho no filme que aprendi muito sobre a história da Pensilvânia. E o que é interessante em fazer um filme é que é importante que você saiba o suficiente para fazer um filme sobre o assunto, mas também deve haver algum espaço para você descobrir algo também, porque você estará trabalhando nele há tantos anos que tem que ser exploratório. Quero descobrir algo com o público. Não estou tão interessado em contar ao público ou ensiná-lo.

Como diretor, como você constrói a confiança do público para permanecer envolvido durante todo o tempo de execução – intervalo e tudo?

Eu só acho que é intuitivo. Eu assisto coisas boas. Eu assisto coisas ruins. Eu assisto tudo. E o cinema é uma linguagem que neste momento me sinto bastante versado. Sinto-me bastante fluente neste momento. E eu acho que isso se torna uma segunda natureza. O que continuo dizendo sobre esse filme é que o filme é longo, mas não é um cinema duracional. Há muito cinema de duração extraordinário. Adoro o trabalho de Lissandra Alonso ou Bela Tarr ou Miklós Jancsó, que também foi pai do meu editor, David Jancsó. Mas com este filme isso não fazia parte de sua composição, intenção, design ou editorial.

É interessante porque, e para alguns espectadores, acho que às vezes as pessoas podem achar isso muito frustrante porque omito intencionalmente muitas coisas que, para mim, sinto que são os primeiros 30 minutos da maioria dos filmes, é muita exposição. É só que eles estão contando sobre as origens desses personagens e exatamente o que eles passaram. E eu simplesmente não acho que isso seja muito interessante. Quero conhecer um estranho atraente.

E quero conhecê-los ao longo do filme. Não quero assistir a um filme onde nos primeiros cinco a 10 minutos você sabe exatamente como vai terminar. E isso é quase tudo.

É muito, muito raro. E o que foi interessante para mim nisso foi em termos de subverter a estrutura clássica, eu pensei: “É um lugar natural para terminar o filme com uma retrospectiva do trabalho desse personagem”. Mas o que é muito incomum, além do fato de que formalmente é bastante incomum – muito do que foi filmado no DigiBeta, e é um grande ajuste saltar de 1959 para 1980 – é que o personagem de Adrien não recebe voz nessa sequência. Ele está fisicamente presente para suas conquistas, mas talvez não esteja mentalmente presente para suas conquistas. Sua esposa está morta. E há uma ótima citação, de um dos escritores góticos do sul. Não sei se é Flannery O’Connor ou Faulkner ou Cormac McCarthy. É um deles. Mas há uma ótima citação que diz: “O espírito do homem está exausto no auge de sua realização. Seu meio-dia sinaliza o início da meia-noite.”

[Ed note: It’s Cormac McCarthy and the exact quote is “His spirit is exhausted at the peak of its achievement. His meridian is at once his darkening and the evening of his day.”]

E eu acho que isso é verdade. É uma coisa interessante onde esses momentos que para o público ou para quem está de fora pareciam ser momentos de glória. Você geralmente está espiritualmente exausto demais para realmente apreciar isso de alguma forma. E foi importante para mim fazer algo que fosse, sim, absolutamente clássico em termos de A, B e C, mas a qualidade e o tom é que há uma verdadeira melancolia. E há muita coisa acontecendo no final do filme. O êxtase é sempre acompanhado de agonia e vice-versa. E é importante que os filmes representem isso.

E a última coisa que gostaria de dizer é que sempre fiquei perturbado com a forma como os sobreviventes são retratados no cinema, que é o fato de serem frequentemente altruístas. Eles são como santos. Meu problema com isso é que sugere que só podemos ter empatia por alguém se ele for perfeito. E para o personagem de Adrien, era importante para mim que fosse uma história de amor. Ele ama profundamente sua esposa, mas também tem um olhar errante. Ele é um homem de meados do século. Ele é um namorador. No entanto, ambas as coisas podem ser verdadeiras. Podemos ter empatia por ele mesmo quando ele está se comportando mal.

O alto custo de fabricação das coisas pesa muito sobre László e toda a sua família. Você sabia que no final — quando chegamos ao epílogo — valeria a pena?

Não sei se vale a pena para ele. Não sei. Acho que isso é algo um pouco ambíguo na conclusão do filme, é que quando você fala com a maioria das pessoas no final de suas vidas, elas geralmente dizem: “Acredite em mim, passe mais tempo com seus filhos”.