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‘Canção do cisne’: Udo Kier vive em voz alta, mesmo que este filme seja um murmúrio

Udo Kier é o tipo de ator que desafia a noção de uma grande tela agindo como camaleônica ou transformadora: você não o escolhe para um papel, você escolhe o papel como Udo Kier, e deixar sua presença curiosa e paralisante fazer o resto. Ao longo de uma carreira mundial de sete décadas que percorreu alegremente a gama do grindhouse ao arthouse, o olhar de um milhão de metros da estrela alemã – através de olhos azul-claros distintivamente com vidros duplos – deixou uma impressão persistente em qualquer número de filmes que não têm, e ajudaram um punhado de grandes, nos assombram um pouco mais fundo. Você não se lembraria do OG Suspiria, ou My Own Private Idaho, ou Bacurau, ou uma variedade de pesadelos de Lars von Trier da mesma forma, sem aquele olhar misterioso e imperturbável – uma espécie de sorriso de gato de Cheshire para o cinema, embora tão suscetível a ser uma carranca assassina.

Um pouco da magia negra de Kier tende a ir longe, no entanto, estamos mais acostumados a vê-lo em papéis coadjuvantes e camafeus amaldiçoados, nos enervando dos bastidores. Uma diversão moderada do sertão indie americano, Canção do cisne é o raro filme que dá a este ator cult o centro das atenções, e um refletor refratado por bola de espelhos. O fato de ele estar presente em todas as cenas da comédia queer sentimental de Todd Stephens é, ao que parece, a decisão mais ousada em um filme que nem sempre honra seu credo professado de viver em voz alta. Ele conta muito com o sobrenaturalismo físico de Kier para perturbar e animar seu comportamento meio-americano, meio-americano, e em sua estranha e lenta entrega para encontrar alma e tristeza em seu diálogo organizado e direto. É tentador dizer que este filme doce e desgrenhado não é muito digno dele, mas não sejamos tão precipitados. Qualquer filme que convide o ator a fazer isso – e a fazer a maior parte dele vestido com um traje safári feminino cor de hortelã – merece sua boa vontade.

Kier interpreta a figura da vida real Pat Pitsenbarger, uma aparente lenda local na cidade natal de Stephens, Sundusky, Ohio, que faleceu em 2012. Com esse contexto, a ternura ligeiramente preciosa do filme entra em foco. Resta-nos perguntar se Pitsenbarger – apresentado aqui como uma esteticista amada pelas mulheres abastadas da comunidade e um dos fundadores da cena gay da cidade – era um peixe meio tão exótico fora d’água quanto Kier é neste bege arredores suburbanos. Não há nenhum indício de história de como Pat, com sotaque denso de Kier, um homem que se agita pelas ruas com uma pitada de desprezo alienígena até mesmo por seus aliados, acabou fazendo permanentes e secadores de cabelo para matronas republicanas de Ohio, mas isso funciona para os benefício do filme: há uma sensação suave aqui de como pequenas comunidades forjam seus próprios personagens.

De onde quer que ele tenha vindo, no entanto, Pat é apresentado como alguém sem distâncias para correr. Mentalmente ágil, embora fisicamente frágil aos 70 anos de idade, ele está definhando em uma casa de repouso monótona nos arredores de Sundusky, onde ninguém vem visitar. Devaneios de tempos mais sociáveis ​​com clientes anteriores, amigos gays e seu falecido marido Paul são intrusões bem-vindas em suas horas de vigília, que, de outra forma, ele marca com pausas para fumar indulgentes e proibidas. Até os amados cigarros More de Pat, longos, barulhentos e pouco vendidos atualmente, estão voltando para o passado.

Mas então o passado vem chamando, oferecendo a Pat um motivo inesperado para escapar. Rita, uma ex-cliente de longa data, morreu e solicitou expressamente que ele a estilizasse para o velório. Quando o advogado dela passa a mensagem, ele inicialmente faz o papel de difícil de entender. “Enterre-a com o cabelo ruim”, ele se encaixa; é uma das muitas falas que a maioria dos atores diria com atrevimento imperioso, mas que assume um tipo de ameaça mais grave e feroz dos lábios de Kier. Ainda assim, há questões não resolvidas o suficiente – com Rita, com Sandusky, consigo mesmo – atormentando Pat para eventualmente persuadi-lo de volta ao mundo exterior. Enquanto ele foge do asilo a passos lentos, procurando (principalmente em vão) por objetos e conhecidos de seu passado, o filme se transforma em uma narrativa de busca nebulosa e sem forma, na qual o objetivo continua mudando e piscando fora de vista. Uma parte significativa do tempo na tela é dedicada à busca pela marca favorita de spray de cabelo de Rita, há muito desestocados, embora Pat não pareça precisar dele tanto quanto sente falta de precisar dele para começar. Canção do cisne é surpreendentemente comovente quando se fixa em tais banalidades.

No entanto, quando é preciso grandes oscilações emocionais, o filme está em terreno mais instável. Um dispositivo de corrida fantástico, por meio do qual Pat enfrenta os fantasmas do passado ao, bem, literalmente enfrentando os fantasmas de um passado, é piegas e óbvio. Ele conduz uma série de conversas redentoras com os mortos – incluindo a própria Rita, interpretada por DinastiaLinda Evans está atrás de uma peruca espetacularmente fosca – mas essas cenas em grande parte têm o efeito de vocalizar a dor que a performance desolada e silenciosamente angustiada de Kier já sugeriu claramente. Além disso, nenhum deles tem a inteligência ou o peso de duas cenas em que Kier brinca com a esplêndida Jennifer Coolidge, como uma ex-protegida que virou rival nos negócios. Quanto mais eles atiram, mais as brincadeiras de sua comédia têm um tom agridoce; ela não é exatamente amiga ou inimiga de Pat, mas é alguém que se lembra dele, o que, a esta altura, já é intimidade suficiente.

Em meio à melancolia predominante, Stephens se diverte mais jogando contra a personalidade de sua estrela ao sondar a história de Pat como um artista fabuloso de discoteca em um bar gay local que logo fechará. Uma subtrama um tanto aleatória envolvendo o último grito do estabelecimento pode jogar a já instável linha do tempo do filme completamente fora de controle – o grosso da ação parece se desenrolar ao longo de um dia de 48 horas. Mas também nos dá Kier, resplandecente em um cocar de lustre, balançando-o ao som de “Dancing On My Own” de Robyn … então fique quieto. Essa é uma imagem bastante indelével, e aquela que perdurará uma vez Canção do cisneos componentes mais suaves de desaparecem da memória.

Swang Song está nos cinemas e será transmitido e On Demand em 13 de agosto. Encontre mais filmes de Udo Kier.



source – www.rollingstone.com

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